Dispatx | Theme for Thought | Make | RSS

An overlooked facet of the archival function of new media

Dispatx — 2009-01-05T02:09:42Z

Expanded Cinema is an online platform for experimental film, early video, and sound-based, durational work. All of the material is being curated from available media online, emphasizing an overlooked facet of the archival function of new media.
For example, heres an excerpt from a Derek Bailey documentary in 1992:
A creation of Joao Ribas, this site leverages the wealth of available material in what is neither a new nor individual way, but one that calls into question (again) the use of the term curator.
via del.icio.us

Theme for Thought

Dispatx Art Collective — 2009-01-01T12:00:00Z

Dispatx is concerned with the creative method in artistic and curatorial practice. The investigations we undertake examine processes of making and showing material in a number of ways, bringing together a collective of collaborating practitioners as part of a curatorial platform. Beyond differences of media and means, projects have developed mixtures of the creative and the critical, involved structural and organic development, logical problem solving and exegesis.

We have also seen practices that resist standardised categories of cause and effect, process and product, engaging with the intuitive and the irrational. Dispatx looks to the areas of contamination between these diverse approaches. Our focus is directed toward such complex strategies as those that can give insight into the commonalities and differences that make up methods of search.

Five years after starting Dispatx were opening our own creative method up for review. An examination of the process by which we develop a theme - the initial editorial text that serves as an impetus for projects and submissions - will further open Dispatx to public view and external input. Through discussions and interactions with our users and collaborators we will explore a number of questions concerning the way Dispatx operates. What are the key issues we need to address in setting a theme? Who or what are the resources we turn to, and what do they have to say? How can we develop a theme that is both open and closed enough to generate ideas in a wide audience and foster compelling material in a variety of media? How does the website help to expose these processes? What is at stake in this process, and how might it be productive?

Our aim is collaboratively and publicly to develop a theme that will form the basis for a new collection of online projects - developed in Make - and open submissions from 2009. We expect the theme to be set and the site open to submissions from March 1. Both Make and our internal Dx-News RSS feeds will be open immediately in order to show how the process is unfolding. We hope that you will contribute to the debate and further our investigations into the creative method.

rich hours 5

Peter Wilson — 2008-08-18T12:07:36Z

rich hours 13

Peter Wilson — 2008-08-18T12:07:36Z

Dispatx Art Collective

Dispatx Art Collective — 2008-08-18T12:00:00Z

Desde hace más de cuatro años, Dispatx Art Collective ha desarrollado una investigación rigurosa de la práctica curatorial y creativa. A través de ocho colecciones, con más de 100 proyectos realizados en diversos medios y formatos y desarrollados online, más de una docena colaboraciones concluidas y la participacion de unos 70 artistas de 50 diferentes paises, hemos explorado y cuestionado las ricas intersección entre la práctica curatorial y la práctica creativa. Nos hemos enfocado en fomentar una actividad dialógica, buscando el debate crítico en la práctica y teoría, a través de reseñas curatoriales y la apertura del proceso de trabajo de los artistas, a los comentarios de los usuarios.
En la actualidad, Dispatx es una gran fuente de proyectos artísticos que han emergido de esta interconexión y que entre sí, trazan una serie de nodos de discusión creativa a partir de los cuales podemos establecer criterios y discursos críticos para el arte contemporáneo. En un momento en que la palabra crisis ronda con insistencia los contextos de arte, así como otros ámbitos de la sociedad, creemos que nuestra labor debe dar un giro hacia una práctica que provea medios y herramientas de reflexión y discusión crítica.
Durante los próximos meses desde la publicación de la colección Apropiación en la Práctica Creativa, estaremos reestructurando la web, buscando un nuevo enfoque teórico y discursivo, para llevar a cabo estrategias de debate que tengan un mayor impacto en los contextos del arte. También queremos poder compartir más información con nuestros usuarios y llevar a cabo una práctica más colaborativa con otros colectivos que tienen un interés similar.
La sección de Make quedará cerrada hasta que presentemos la nueva propuesta. Les recordamos que tienen a su disposición todo el material de las ocho colecciones publicadas, que pueden organizar, archivar y re-comisariar en la sección My Dispatx.

Dispatx Art Collective

Dispatx Art Collective — 2008-07-01T08:14:21Z

For more than four years Dispatx Art Collective has developed a rigorous practice of creative and curatorial investigation. Over eight collections of original material in various media, with over 100 projects developed online, over a dozen collaborations and with the participation of over 70 artists from 50 countries, we have explored and questioned the rich intersections between creative and curatorial practice. Our focus has been on generating dialogue and discussion, looking to promote critical debate in both theory and practice, through cross-platform practice, curatorial reviews, as well as opening up the creative method to public commentary and interaction.
As it stands, Dispatx is a tremendous source of artistic projects that have emerged or formed part of this interconnection and openness, which constitute nodes of creative discussion from which critical discourse and criteria for engaging with contemporary art practice may be drawn. In a time when crisis seems insistent in contexts both in and beyond art, we feel that our work must address the need for practice to be coupled with the means for the critique of its own processes and products.
In the months following the publication of the latest collection of projects, Appropriation in Creative Practice, we will be reconstructing the website in response to the new theoretical and discursive demands we consider of great importance, and in order to increase the impact the site has in all creative contexts. We also hope to share more information and input with our users, as well as extending our collaborative practice with other groups.
Make will be closed until a new proposal for work is developed. We would like to remind users that the existing collections of material can be engaged with – tagged, organised and re-curated in ways that affect the presention the site as a whole – using My Dispatx.

mini-ciclo de cine y m�gia en el CC CAN FELIPA (barcelona)

Dispatx — 2008-05-14T09:06:03Z

TRAMPALULL es un mini-ciclo de cine, música y mágia diseñado por LABORATORIUM en el C.C. CAN FELIPA.

CUANDO?: MIERCOLES 21 y 28 de mayo a las 21h (entrada gratuita).
DONDE?: CAN FELIPA -- c/ PALLARS 277 Barcelona -- metro: POBLENOU (línea 4)
+INFO: www.bcn.cat/canfelipa
PROMO: http://www.youtube.com/watch?v=-hTLPDfwA3E

rich hours 4 mark 3

Peter Wilson — 2008-04-28T12:31:21Z

Metamorfosis | 04.27.08

Nashla Abdelnour — 2008-04-27T01:34:17Z

Falsificaci�n, Apropiaci�n y tantas otras cosas

Dispatx Art Collective — 2008-04-24T09:09:56Z

¿Hasta qué punto uno podría ver las falsificaciones que hizo Van Meegeren de Vermeer como un acto apropriativo? Y más aún cómo ilustración del uso de la apropriación en la práctica creativa?
To which extend can one see Van Meeegeren falsifications of Vermeers painting as an appropriative act? And even more as an illustration of the use of appropriation in creative practice?
Los proyectos que formarán el centro neurálgico de la octava colección están finalizando el recorrido. Un recorrido que ha interfencias de distinta índole y en diferentes momentos - algunos mucho más álgidos que otros. Llegamos a un momento de culminación y reflexión, de entender las próximas etapas, los próximos movimientos. El diálogo se ha dado a diferentes escalas, algunas más transparentes que otras y también con diferentes intensidades. Como comisarios hemos fomentado el debate y el diálogo hasta cierto punto, pues no se trata de interrumpir el proceso creativo de cada individuo, sino de entenderlo y de promover, en la medida en que sea posible, un estado bullente. Ahora toca un trabajo de gestión, cerrar y publicar la colección, incluyendo otras propuestas que traigan nuevas miras sobre el tema desarrollado. Generar resistencia, darle sentido a la colección a través del discurso. También procurar desorganizar.
La apropiación es un tema que preocupa e interesa al arte desde siempre. la manera en que lo ha hecho ha ido variando y hoy en día podemos vincularnos más a las prácticas realizadas desde la década de los sesenta que cualquier intento anterior. Como comentó Sandra Gamarra en una de sus publicaciones, hoy quizá deberíamos hablar de adopción y no tanto de apropiación. Adopción de toda esa marea de imágenes que conforman un saturado archivo visual. Imágenes que quedan en orfandad por el siemple hecho del inabordable volumen y por la cantidad de capas de significado que uno puede adjudicar. Aunque la publicidad sea el principal vehículo de generación de discurso a partir de las imágenes que produce, distintos niveles de significado se yuxtaponen y los contextos se multiplican. El comisariado en sí tiene algo de apropiacionista al seleccionar y alterar el significado y sentido de las obras.
Las últimas publicaciones de Nashla Abdelnour son una serie de dípticos de fotografías apropiadas y en caada caso hay una imagen a color y una en blanco y negro. El trabajo de Nashla consiste en seleccionar y presentar un nuevo sentido al contenido al exhibirlo fuera de su contexto. La dialéctica de esas imágenes está en éxito de la conjunción de las dos imágenes. En algunos casos la narrativa que se produce parece más evidente que en otras. El espectador tiene que hacer un esfuerzo para que la obra quede concluida y este es un punto también interesante que queda en evidencia. El imaginario propuesto por Nashla nos invita a cerrar una historia mínima (o no) sobre lo que vemos y el hecho de que el material proviene de diversas fuentes y que su origen es desconocido no es importante. El anonimato como algo a lo que podemos relacionarnos. En el caso de Sandra Gamarra, vemos la construcción de un gran archivo que evidencia la apropiación/adopción en la práctica creativa. Las imágenes de las publicaciones artist using photography y the curious case of women conceptual artist hacen alusión a esa noción de adpotar y es casi como si adoptase la manera en que uno se apropia de algo y la manera en que uno trabaja. Haciendo obvio el proceso, también se hacen evidentes las herramientas que usamos y que no siempre tienen visibilidad. Y la última publicación varieties of conceptual art (visitando una posible exposición) - que me recuerdan al trabajo de Kirsten Pieroth cuando pidió prestada la cartela de la Giocconda al Louvre para exhibirla en un museo inglés - lleva el tema de la apropiación a nuevos niveles. Cuestionando la práctica curatorial y la museografía. Tocando el tema sobre lo que hace a una obra, en este caso conceptual, y los diferentes tipos de presentación y aproximación. ¿Qué tipo de vínculos de credibilidad se pueden crear entre el arte (exhibido?) y el espectador? ¿Se puede hablar aún de una identifiación en un mundo globalizado? y ¿el artista sigue representando lo local? ¿qué tipo de circuitos de convicción pueden producir el crítico de arte y el comisario para el espectador?
Hoy en día el mercado se ha apropiado de los procesos de legitimación de la crítica de arte y parte de la culpa la tiene la deformación del trabajo del comisario. La propuesta del comisario generalista (H. Szeemann) se ha desbordado y hace falta que la crítica y el comisariado vuelvan a trabajar de la mano para proveer significado y reductos de resistencia actualizados. Hace falta tambiñen definir el marco de lo artístico y de los roles del negocio del arte.
En este sentido, el trabajo del comisario en una colección como esta, con un tema tan amplio y tan adjudicable a cualquier cosa, es de buscar una coherencia entre las obras y el tema y nuestra propia opinión para hacer de mediadores entre eso y el público.
Es interesante también ver las últimas publicaciones de Scott MacLeod se van haciendo más esenciales o quizá abstrayendo más. Speech y Betaville. 02.17.08 son dos fotogramas que cuestionan la credibilidad del texto y del discurso - la palabra. La apertura al debate a partir de estos fotogramas apropiados es interesante también porque lo generan dentro del contexto que Scott a conseguido. En su descontextualización y recontextualización dentro de Betaville, las fotogramas capturados de las películas, donde precisamente se muestra el momento en que alguna de los personajes insinua un cuestionamiento sobre el lenguaje, plantean una meta- narrativa dentro de la hiper-textualidad de Betaville. Es casi como si él mismo estuviera cuestionando todo su trabajo, cuestionando la veracidad, poniendo al lector en una situación de duda y al mismo tiempo, reafirmando su propio papel como escritor. capacidad de generar opinión sin decir nada, sin hacer nada, sólo prresentando circunstancias o - aunque no es el caso - hechos. Una aproximación deconstructivista al propio material con el que trabaja.
La apropiación colaborativa de Peter Wilson y Gill Robinson también tiene algo de archivístico encerrado en un humor un poco hermético quizá. Tieene algo de cabinete de curiosidades, al mismo tiempo que tiene algo de la contemporaneidad del blog pero con recursos primarios. La correspondecia está completamente cerrada, el juego es entre ellos dos y el resto espectamos - intentamos contemplar, no hace falta entender como antes se creía. hay arte para todos y de todo tipo y en todas partes. Quizá hay demasiado, ddemasiadas bienales y demasiadas exposiciones, pero también empieza a haber más interés por una actualización del discurso crítico, por cuestionar y hacer nuevos planteamientos. Quizá el trabajo de Gill y Peter responde a la saturación visual y tiene más que ver con una visión del artista que trabaja introspectivamente, las claves de desciframiento no están tan asimiladas.
El caso es que tenemos que encontrar bajo qué tipo de instancias ha operado la apropiación en los difrentes proyectos que conforman y confromarán la octava colección. Extraer un sentido y una serie de recorridos y proveer ese canal de credibilidad desde donde se puede formular crítica, opinión y reflexión.

rich hours 8

Peter Wilson — 2008-04-12T06:21:16Z

Metamorfosis | 04.10.08

Nashla Abdelnour — 2008-04-10T12:25:01Z

Las fotos que componen estos últimos dípticos son todas fotografías apropiadas. Comprende las fotos reveladas y fotografías tomadas a diapositivas proyectadas. La intención es crear una relación entre las dos imágenes de manera que se perciban como un conjunto y no individualmente. Esto ayuda a desprender el sentido original e identidad de la fotografía, creando que ésta, al entrar en relación con otra imagen, cobre un nuevo sentido y hable de algo nuevo. De alguna manera se anula su historia inicial otorgándole una nueva.
Me parece interesante el papel que juega la percepción del tiempo y las relaciones que se crean al contraponer una fotografía en blanco y negro con otra en color.
De momento estoy intentando encontrar las mejores combinaciones entres los dos grupos de fotos. Estos son algunos intentos aunque no los considero concluyentes.

Good Morning, Good Morning

Dispatx — 2008-04-10T11:01:28Z

A sign spotted outside a church on the south coast of England, just after breakfast. I found myself wondering about how I couldnt really place the exact boundaries of the appropriation - whether it was a specific design that had been borrowed, or some unplaceable combination of elements coalescing into a memory jogger.

Metamorfosis | 04.08.08

Nashla Abdelnour — 2008-04-08T09:29:56Z

varieties of conceptual art (visitando una posible exposici�n)

Sandra Gamarra — 2008-04-07T07:12:09Z

Betaville | 04.07.08

Scott MacLeod — 2008-04-07T12:50:50Z

On the Map - Millennium Galleries, Sheffield, UK until June 15th

Dispatx — 2008-04-07T11:20:49Z

In 1935 Phyllis Pearsall walked 3000 miles around London’s streets to design the London A-Z map. This remains one of the most ingenious examples of 20th Century mapping and one of the most common uses associated with the technique. On the Map examines through craft and design, the concept of mapping, exploring what a map is, what can be mapped and how it can be used and manipulated. It challenges the perceptions of the conventional notion of mapping and demonstrates the extent to which it can be stretched and utilised.
On the Map looks at mapping as the creation of simple links or more complex networks of links through various techniques, from physical maps of geographical representations to more abstract responses by contemporary craft and design makers. It explores the manipulation of conventional maps, non-geographical mapping and mapping in different formats. On the Map demonstrates how different craft and design techniques can be applied to the process of mapping, illustrating diverse approaches to the subject.
Regarding Posavec:

The maps visually represent the rhythm and structure of Kerouac’s literary space, creating works that are not only gorgeous from the point of view of graphic design, but also exhibit scientific rigor and precision in their formulation: meticulous scouring the surface of the text, highlighting and noting sentence length, prosody and themes, Posavec’s approach to the text is not unlike that of a surveyor. And similarly, the act is near reverential in its approach and the results are stunning graphical displays of the nature of the subject.

via kottke & notcot, which has some stunning images. See also A Chirograph

Hoy los artistas necesitan ser m�s claros respecto a sus posiciones

Dispatx — 2008-04-06T04:35:07Z

“Hoy los artistas necesitan ser más claros respecto a sus posiciones” **
Entrevista a Liam Gillick
Aimar Arriola
"Writing has always been central to my artwork as is evidenced by the extended role that the written scenario has taken in the work since the commencement of “McNamara” in 1992, through to the current project "Construcción de Uno" (2004 onwards), but it was the pressure to write to deadlines that enabled me to make the written word a crucial component of my art. (....) I am not an academic nor am I schooled in theory. The writing reflects my interests and involvements and is replete with errors of analysis and misapplied theory." (Liam Gillick, preface “Proxemics. Selected writings (1988-2006)”)
Publicado en Arte Nuevo y la entrevista originalmente fue hecha por Aimar Arriola

- Tu trabajo se dio a conocer internacionalmente a principios de los 90, un momento que te sitúa en Francia en sintonía con una más amplia corriente de resonancias minimalista y conceptuales. Recientemente te has referido a ese periodo como el “contexto adecuado” en el que uno podía “ser artista al margen de hacer obra”. ¿Cuales son los condicionantes de producción que han cambiado desde entonces?
Liam Gillcik: Ese fue un tiempo en el que nuestro trabajo ya venía desarrollándose bajo lo que claramente podríamos denominar “condiciones postmodernas”; un tiempo en el que la idea de proyectarse hacia un hipotético futuro, decidir cómo podría ser ese futuro, o saber cómo se podría desarrollar el trabajo de uno en el futuro no era clara. La idea de operar en el contexto del arte careciendo de producción estaba conectada a esta idea, al hecho de que uno podía funcionar en el presente en diferentes tiempos.
Esto fue importante a principios de mi carrera, porque significaba no tener que actuar de la misma manera ante situaciones diferentes. Hay un aspecto que no se ha considerado lo suficiente con relación al contexto francés de esa época, y es esa espacie de estado de “trabajo suspendido” en el que operábamos, un sentimiento que nos llevó a crear un entorno de posibilidades, sin pensar demasiado en términos de arte y producción. Las cosas han cambiado bastante, el mercado condiciona en exceso, y a menudo hoy los artistas necesitan ser más claros respecto a sus posiciones.
- Otro de los aspectos por los que ese momento de principios de los 90 fue tan decisivo fue la emergencia de una nueva línea de comisarios de su misma generación. ¿Cuál es tu consideración actual hacia la práctica del comisariado?
LG: En efecto, gran parte del debate de la época giraba en torno a la cuestión del comisariado, sus límites y posibilidades. Desde entonces no es suficiente hablar de la división del trabajo o el reparto de responsabilidades en términos de oposición, y en la situación presente no podemos pretender que la responsabilidad de la mediación quede relegada a ciertas formas de práctica curatorial. Hay que ser muy cuidadosos con las generalizaciones, porque ya no existe un modelo de comisariado válido para todas las situaciones. Sigo trabajando con comisarios, incluso de generaciones posteriores, pero en muchos casos mi participación es requerida más allá de la producción o cesión de obra; se trata de situaciones en las que mi función es la de crear una estructura (intelectual). A menudo, esta colaboración con comisarios más jóvenes se materializa bajo la forma de una conferencia, o en la propuesta de una visión general, y no necesariamente en ser parte del contenido de sus proyectos. Este modelo de colaboración, que ha sido el caso en Rekalde, me sigue interesando mucho. Hoy gran parte de los comisarios de mi generación se han embarcado en una especie de viaje en constante búsqueda de lo nuevo, por lo que siento que ya no compartimos la misma información, y cada vez nos separa una mayor distancia.
- Una parte significativa de tu trabajo se desarrolla a través de la escritura. ¿Qué papel juega esta práctica dentro de tu obra en un sentido más amplio? ¿Ha variado tu relación hacia la forma textual a lo largo de los años?
LG: Te confieso que he estado trabajando en un nuevo libro los últimos tres años y he decidido suspenderlo de forma casi permanente. Estoy en un momento en el que cada vez escribo menos, en el sentido clásico de sentarse y enfrentarse a una página en blanco, y aunque sigo publicando textos, en la mayoría provienen de la forma oral. De pronto me di cuenta que había empezando a generar un cierto estilo con el que no me identificaba, por lo que comencé a utilizar más mi propia voz, literalmente, a transcribirla y editarla posteriormente convirtiéndolo en una nueva forma de escritura. Como forma de experimentación, también he tratado de escribir en francés, y aunque mi limitado vocabulario en esa lengua le dio cierta claridad a mi escritura, tampoco funcionó del todo. El problema es que si pretendes mantener un papel crítico a través de la escritura, tienes que encontrar un espacio propio, ser constante y trabajar de forma continuada. Y digamos que en la actualidad estoy disfrutando más con esta otra vía de escritura, que proviene directamente de mi voz.
- Tu práctica artística de los últimos diez años ha corrido paralela a tu labor como docente. Además, este año has participado en alguna experiencia como United_Nations_Plaza (UNP) --surgida en Berlín a partir de la suspensión de la Manifesta 6-- que planteaban una alternativa a estructuras académicas más tradicionales. ¿Cómo valoras la experiencia?
LG: UNP surge de la idea de involucrarse en algo colectivamente, de intentar construir “algo” entre todos (una comunidad, una nueva estructura social, etc.). A veces es positivo parar para simplemente discutir y hacer efectivas diferentes posturas. Veo ejercicios como este como momentos de “suspensión”, como un encuentro político o una reunión estratégica donde un grupo de personas plantean una postura sobre un tema, para que otra gente la desmonte. Por otro lado, este tipo de iniciativas responden a una situación de la que somos testigos desde hace ya quince años: que en realidad seguimos operando bajo postulados herederos del 68, de las semi-revoluciones de finales de los 60, en los que las preguntas siempre van dirigidas al estudiante, y creo que ya es hora de darle a esto la vuelta. Estamos en un momento en el que son los maestros (el poder) quienes deberían de ser claros a cerca de sus posturas y asumir responsabilidades, y esto es algo que se intentó ensayar en UNP. Pero también estructuras académicas más tradicionales puede ofrecer oportunidades; recientemente he desarrollado un proyecto con estudiantes universitarios en Nueva York en el que hemos tratado de definir, entre todos, las condiciones necesarias para lograr una “escuela perfecta”, un entorno “ideal” para el estudio, el pensamiento y el trabajo. Una especie de predicción sobre el futuro que no sabemos si se cumplirá.

(**) Mi entrevista con Liam Gillick tuvo lugar el 29 de noviembre de 2007 en Bilbao, horas antes de la conferencia que ofreció en la Sala Rekalde en el marco de la exposición colectiva "Arqueologías del futuro" (comisariada por Peio_Aguirre y ya clausurada). Su participación, a modo de “evento paralelo”, aportó una visión complementaria a la muestra y permitió aproximarse a algunas de las claves de su trabajo. Originariamente publicada en Mugalari.

Metamorfosis | 04.05.08

Nashla Abdelnour — 2008-04-05T01:00:05Z

Curator - meme

Dispatx Art Collective — 2008-04-05T09:48:37Z

A number of things come to light this morning via the curatorial tag over at del.icio.us - starting with this excellent post on the notion of curating and curators in a digital age:

Heres the thing, I think its fair to say that the term "curator" may not be used, even metaphorically, unless there is some "keeping," "collecting," "conserving" involved. Its not clear to me that digital curators have anything to do with keeping [...] dont say that the new curators leave an archival record. Everyone leaves an archival record. And real curators dont just leave a record. They assiduously build their collections, so that each new entry is made in full knowledge of its predecessors and with a deeply thoughtful anticipation for what comes next. These collections vibrate like a spiders web with each new entry.

Whether or not this use of the term is fair brings one face to face with the large-scale Google Emotional Index at the Helen Pitt Gallery: "in a subtle act of co-option, this interactive project utilizes and alters the Google image search engine to provide an ever-evolving database of images associated with the full spectrum of human emotion [...] the GEI interface allows the participant to conduct searches for words indexing emotions far beyond our more general categories—happy, sad, angry or depressed—to help locate points of personal reflection." The what of the curating act is at stake far more than the how, and yet it is exactly the how that we had looked at above - "Real curators think with their collections. The collections are intelligence, memory, conceptual architecture made manifest [...] thats not what I see the new curators doing. "
Via the British Journal of Aesthetics comes the fine view of Fashion Seen as Something Imitative and Foreign: "the figure of the foreigner that recurs in philosophical remarks about fashion only makes sense given a reading of fashion as imitative uniformity. The foreigner becomes a deus ex machina accounting for the newness in fashion that the imitative model renders otherwise inexplicable." Requiring a subscription, sadly I am left to make do with the abstract; here we could perhaps cast the figures of local versus foreign - as each appropriates and recovers fashion and style across border and cultural gap, which is the curator - and which the curated?